Reseña: Modest Heroes

El pasado 20 de marzo se pusieron a la venta las ediciones domésticas de Modest Heroes, el nuevo proyecto de Studio Ponoc. A continuación tenéis mi opinión sobre este proyecto.

Un breve resumen

Ponoc Short Films Theatre es el nombre del nuevo proyecto de Studio Ponoc, creadores de Mary y la Flor de la Bruja. La idea consiste en producir cortometrajes de animación con un tema común que se estrenarán en cines. Al contrario de lo que sucede con los cortometrajes de Museo Ghibli, los derechos de este proyecto están a la venta para ser proyectados en cines de todo el mundo y posteriormente ser editados en DVD, BD y versión digital, como así va a ocurrir en Estados Unidos y Francia.

El tema de la primera tanda de cortometrajes ha sido el de los héroes modestos. Aunque en un primer momento estaba prevista la participación de Isao Takahata con un cortometraje, al final han sido tres los proyectos que se han creado con el título Modest Heroes.

Los cortos

Kanīni & Kanīno

Director: Hiromasa Yonebayashi
Música: Takatsugu Muramatsu
Duración: 15 minutos

Cuenta la historia de unos seres dimunutos con forma antropomórfica que viven en la corriente de un río. Los protagonistas son Kanīni y Kanīno1, dos jóvenes que viven con su padre en el fondo de un río. Su madre ha tenido que marcharse para dar a luz en un lugar más tranquilo. La aventura comienza cuando su padre es arrastrado por la corriente y separado de sus hijos. En ese momento, Kanīni y Kanīno toman la decisión de ir en su busca.

Life Ain’t Gonna Lose

Director: Yoshiyuki Momose
Música: Masanori Shimada
Duración: 15 minutos

Shun es un niño sociable, buen estudiante y al que le gustan los deportes. Su vida sería convencional si no fuera porque tiene una alergia mortal al huevo. A pesar del cuidado con el que su familia (su madre, bailarina, y su padre, oficinista) y en el colegio abordan este problema, siempre hay riesgos de que Shun acabe comiendo algo que no debe y se ponga muy enfermo. Este cortometraje cuenta la historia de una familia en su lucha contra esta alergia.

Invisible

Director: Akihiko Yamashita
Música: Yasutaka Nakata
Duración: 14 minutos

Son las 7 de la mañana y suena el despertador. Un hombre lo apaga, va al baño, se asea, se viste, se pone las gafas, agarra su mochila y un extintor (?). El hombre es completamente invisible, un salaryman que se dispone a ir al trabajo. Allí vemos como es ignorado (tratado como si fuera un hombre invisible) por todos. De hecho, ni siquiera las puertas automáticas lo detectan2. Se le estropea la moto; no puede sacar efectivo del cajero; no puede comprar nada porque no tiene dinero (y nadie le ve) y encima se pone a llover. Es entonces cuando alguien se acerca, le habla y le da algo de comer.
En ese momento, a lo lejos, observa una situación de potencial peligro y decide actuar.

Opinión

Me han gustado. Mucho. Siendo una película más que correcta, sobre Mary y la Flor de la Bruja escribí que había demasiadas cosas que me recordaban a Ghibli. Lógico en el aspecto artístico; un poco menos en el tipo de historia y los homenajes. Comprensible al tratarse de un debut, donde seguramente quieran asegurar.

Con Modest Heroes han hecho algo que muchos estábamos esperando: historias originales, arriesgadas y con animación de calidad. Cada uno a su manera, los tres cortometrajes me han gustado. Kanīni & Kanīno tiene un estilo más próximo al clásico Ghibli, con una historia correcta y una animación muy buena3. Yonebayashi vuelve a contar con unos personajes muy pequeños (como hizo en su debut Arrietty y el mundo de los diminutos, de 2010).En Life Ain’t Gonna Lose, Momose utiliza un estilo similar al de sus proyectos de corta duración (anuncios, videoclips) y que en ocasiones recuerda a Ponyo en el acantilado y en alguna escena a El cuento de la princesa Kaguya. Por último, Invisible es posiblemente el corto más experimental, tanto técnica como argumentalmente, y el que me ha dejado con más dudas: ¿desde cuándo es invisible el protagonista? ¿Es algún tipo de metáfora sobre la imagen que pueden tener de sí mismas muchas personas (depresión)? ¿Por qué la gente que le rodea no ve la ropa, el extintor o la moto que conduce?

Si tuviera que escoger uno, me quedaría con el trabajo de Momose. Por el tipo de historia y por el enfoque que tiene. Lo que tengo claro es que ninguno de los tres cortos me parece malo.

Como he escrito al principio, Modest Heroes se ha estrenado en Estados Unidos y Francia; y próximamente se pondrán a la venta en DVD, BD y en versión digital. Por su parte, la banda sonora puedes comprarla en varios tiendas en línea por un precio aproximado de 9/10 €, mientras que en Spotify la puedes escuchar de forma gratuita.

En España de momento no se ha estrenado en cines. Pero yo no perdería la esperanza porque se acaba de celebrar la Anime Japan (una de las ferias más importantes de animación del mundo) donde se pueden ver las novedades del mundo de la animación japonesa, hay muchas reuniones y se pueden hacer muchos tratos.


Enlaces interesantes


  1. Kani (蟹) en japonés significa cangrejo. De hecho, las armas que usan para defenderse son pinzas de cangrejo. ↩︎
  2. Aunque esto me parece un fallo, ya que deberían detectar el extintor. ↩︎
  3. En todos los cortos se nota la buena mano de los diseñadores de arte de Deho Gallery. ↩︎

Hayao Miyazaki: nuevo libro de Raúl Fortes

El pasado 11 de marzo la editorial Akal puso a la venta un nuevo libro dedicado a Hayao Miyazaki, escrito por Raúl Fortes Guerrero (Valencia, 1978). A continuación tenéis los contenidos de este interesante ensayo:

El autor

Raúl Fortes Guerrero (Valencia, 1978) es Licenciado en Historia del Arte y en Comunicación Audiovisual por la Universitat de València. Ha realizado varias estancias académicas en la Universidad de Waseda (Tokio), como estudiante becado por la AIEJ (Association of International Education, Japan), y como investigador becado por el Ministerio de Educación y Ciencia de España.

Es miembro de la asociación poética japonesa Chikuhaku-kai, en cuya revista literaria Kokoro no Hana publica mensualmente tankas. Ha realizado también labores de traducción del japonés al español para L’Atalante. Revista de Estudios Cinematográficos, y es autor de una monografía sobre el cineasta Hayao Miyazaki.

Entre 2003 y 2004 ejerció como docente de idioma japonés en la Facultad de Filología de la Universitat de València, es co-organizador de las jornadas sobre cultura nipona que dicha universidad organiza desde 2005 y, desde 2008, imparte regularmente conferencias y cursos de lengua y cultura niponas en el Instituto Confucio de la Universitat de València. Actualmente compagina su actividad como docente con la redacción de sus tesis doctoral, centrada en la influencia de las artes escénicas japonesas en el cine nipón1.

Contenidos del libro

Introducción: los dibujos animados japoneses y su legitimidad cultural

  • Estado de la cuestión
  • Precedentes histórico-artísticos
  • Importancia del anime

La poética miyazakiana

  • Lo fantástico, lo maravilloso y lo alegórico
  • El viaje iniciático y los límites de la magia
  • Transtextualidad e interculturalidad
  • Creaciones y recreaciones espacio-temporales: realidad y ficción en los mundos miyazakianos
  • La visión ambivalente de la ciencia y la tecnología
  • El vuelo y su simbolismo
  • Princesas, brujas, guerreras y mesías: heroínas en la obra de Hayao Miyazaki
  • La religión: influencia del budismo en la producción miyazakiana

Apéndice

  • Biofilmografía del autor
  • Bibliografía

Primera valoración

Ayer recibí una copia del libro, por lo que solo he tenido tiempo para echarle un vistazo rápido. La primera impresión es muy buena. Aquellos interesados que busquen un libro en color y con muchas imágenes, seguramente se lleven una desilusión. Este libro es un ensayo estrictamente hablando, en blanco y negro, con un número muy comedido de imágenes y, seguramente, con un contenido enriquecedor. Raúl Fortes también es autor de Guía para ver y analizar El viaje de Chihiro, un libro de características similares a este y que he tenido la ocasión de leer y disfrutar.

No sé cuando tendré podré leerme este ensayo2, pero tan pronto lo haga escribiré (o hablaré) sobre ello. De un tiempo a esta parte muchas personas están dedicado su tiempo a publicar ensayos y artículos relacionados con Studio Ghibli, con lo que se ha conseguido tener una bibliografía más que digna de la obra de Studio Ghibli en lengua castellana. El hecho de que las editoriales estén apostando por este tipo de publicaciones tan solo puede significar que existe una masa de lectores fieles que queremos y apoyamos estas iniciativas.

Ficha

Hayao Miyazaki
Autor: Raúl Fortes Guerrero
Fecha de publicación: 11–03–2019
Longitud: 304 páginas
Dimensiones: 15,5 × 21 cm
Formato: Rústica
ISBN 978–84–460–2530–6
Precio: 15 €


Enlaces relacionados


  1. Fuente: Editorial Ultramarina Cartonera & Digital ↩︎
  2. Tengo pendientes varios libros de este tipo y no todo el tiempo que me gustaría. ↩︎

Opinión: Miyazaki sin fecha de entrega

En el número de abril1 de la revista Bungei Shunjū se puede leer un ensayo de Toshio Suzuki en el que asegura que Hayao Miyazaki está trabajando en su próxima película, Kimi-Tachi wa Dō Ikiru ka, sin una fecha de entrega. A partir de esta premisa voy a hacer un repaso a la trayectoria de Hayao Miyazaki en este aspecto y dar mi opinión. 

Las declaraciones de Suzuki

La noticia con el resumen del ensayo de Suzuki la he leído en Anime News Network. Los puntos más interesantes del texto de Suzuki son los siguientes: 

  • «Con la producción de esta película estamos experimentando no teniendo una fecha de entrega establecida.» Algo que, en mi humilde opinión, no es del todo exacto. Lo argumentaré a continuación.
  • Sobre que esta sea su última película, Suzuki declara «No lo creo. Miyazaki seguramente continuará creando películas mientras viva.»
  • Por el bien de su salud (y la de Studio Ghibli), Suzuki ha pedido a Miyazaki no volver a hacer una rueda de prensa para anunciar su retiro.

Sobre el primer punto, han sido varias las fechas de entrega que se hicieron públicas desde el anuncio del proyecto. Hayao Miyazaki declaró que quería estrenar la película en 2020, coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Tokio; pero viendo que el proyecto no avanzaba según previsto se retrasó a 2021 o 2022. Hayao Miyazaki tiene 78 años y el ritmo al que puede trabajar está lejos del caballo desbocado que dirigió películas como La princesa Mononoke. Meter presión a una persona de su edad iría en contra de su salud, de la película y del propio Studio Ghibli. Por eso han tomado la decisión de dejar hacer al maestro y estrenar la película cuando esté hecha. Tras tantos años de éxitos, hoy por hoy Miyazaki conseguirá una buena taquilla haga lo que haga. Aunque eso implique un sobrecoste de la producción2, con una agresiva promoción como las que nos tiene acostumbrado Suzuki, habrán hecho los cálculos para llegar a la conclusión de que, a pesar de todo, conseguirán hacer un buen negocio. 

Sobre el segundo punto, confieso que Miyazaki consiguió convencerme de su retiro en 2014, pero está claro que este hombre no puede vivir lejos de una mesa de luz. Tras volver a la producción de largometrajes, muchos vaticinamos que Miyazaki se irá dejando una obra inacabada y al parecer Suzuki tiene la misma impresión. Nadie mejor que él para asegurarlo. 

El tercer punto se explica solo. Suzuki también es mayor y no quiere sobresaltos. Es innegable que Studio Ghibli funciona alrededor de Hayao Miyazaki, por lo que el anuncio de la retirada del maestro colocó a la empresa en una situación complicada…3 para después anunciar que volvía. 

Imagen promocional del manga Kimi-Tachi wa Dō Ikiru ka.

Merecido

Ya sea por una razón o por otra, en Studio Ghibli siempre han ido con unos ajustados tiempos de producción:4 en un primer momento porque el estudio debía abaratar costes y una forma de conseguirlo era crear películas en el menor tiempo posible. Nausicaä del Valle del Viento, película de dos horas, se hizo en nueve meses y tres días; con El castillo en el cielo tuvieron trece meses; a continuación subieron el listón y asumieron la creación de dos películas en paralelo, La tumba de las luciérnagas y Mi vecino Totoro, que se realizaron en un año; con Kiki’s Delivery Service hubo un cambio de director que obligó a Miyazaki a encargarse del proyecto5 partiendo de cero. Se completó en un poco más de 15 meses; con Porco Rosso, debido al retraso de Isao Takahata con Recuerdos del Ayer, Miyazaki empezó a trabajar solo en el proyecto, que se hizo en 11 meses6

Por aquel entonces la economía del estudio era mejor que al principio. Ese momento se aprovechó para subir el listón de la producción7 y la calidad. La princesa Mononoke fue un proyecto titánico que se realizó en mucho más tiempo, 2 años y 10 meses aproximadamente, pero que requirió muchísimo a todo el estudio, tanto física como mentalmente. Con El viaje de Chihiro Miyazaki soltó un poco el pie del acelerador, pero en el estudio se siguió trabajando duramente para cumplir las fechas, realizándose en 19 meses; y algo similar sucedió con El castillo ambulante, para el que se tardó 17 meses en completarla.8Tras esta película, con 63 años, Miyazaki ya no era el de antes, pero mira tú por donde, su siguiente proyecto, Ponyo en el acantilado, decidió hacerlo de forma artesanal; se realizó en 20 meses. Para su última película hasta la fecha, El viento se levanta, necesitó más tiempo del habitual debido a sus problemas de espalda, de vista y a una falta de concentración que iba en aumento. 

Imagen promocional del manga Kimi-Tachi wa Dō Ikiru ka.

Sin menospreciar el resto de proyectos, Hayao Miyazaki lleva dirigiendo películas muy rentables desde La princesa Mononoke (1997). Aunque no haya sido una decisión tomada de buenas a primeras como parece asegurar Toshio Suzuki, bien merecido tiene que su nueva película se haga sin tantas prisas y agobios como son habituales en el mundo de la animación. Una decisión con la que todos saldremos ganando. 

Enlaces relacionados


  1. Aunque puede llevar a confusión, en Japón las revistas de un mes se ponen a la venta el mes anterior. ↩︎
  2. Ignoro si en esta nueva etapa de Studio Ghibli se sigue pagando un salario a los animadores, aunque pondría la mano en el fuego porque así está siendo. ↩︎
  3. De hecho, la prometida reestructuración de la empresa no llegó a concretarse nunca. ↩︎
  4. La excepción era Isao Takahata, que creía que las prisas eran para los cobardes. ↩︎
  5. Algo similar a lo que sucedió con Mamoru Hosoda en El castillo ambulante↩︎
  6. Aunque en este caso, como sucedió con Mi vecino Totoro, la película era de apenas 90 minutos y no las casi dos horas que acostumbra el director. ↩︎
  7. En 1991 se había consolidado la idea de tener una plantilla fija de trabajadores con un suelo fijo, por lo que necesitaban tenerlos ocupados para justificar ese gasto. Para ello se preparó un plan quinquenal, algo inédito hasta entonces en este estudio. ↩︎
  8. Durante esta década alternó largometrajes con proyectos de corta duración para Museo Ghibli. Los omito porque no sé qué ritmo de producción ni el personal que tenían para estos proyectos. ↩︎

Natsuzora

El próximo 1 de abril se estrenará en Japón un dorama inspirado en la vida de la animadora japonesa Reiko Okuyama. A continuación tenéis algunos detalles de quién era ella, datos sobre la serie y qué relación tiene este proyecto con Studio Ghibli. 

¿Quién era Reiko Okuyama?

Reiko Okuyama nació en 1930. Como era muy enfermiza, de niña pasó largas temporadas en cama, lo que le brindó la posibilidad de leer muchísimo, desde William ShakespeareJean-Paul Sartre o Simone de Beauvoir. En ocasiones escribió sus propias obras de teatro, que relataba a los niños y para las que se encargaba de diseñar el vestuario. Fue trasladada a una escuela misionera en la que pronto se granjeó la etiqueta de rebelde porque hacía preguntas demasiado incisivas. 

Fotografía de Reiko Okuyama.

Aunque en un primer momento su padre quería enviarla a una universidad rural, en 1957 Okuyama marchó a Tokio. Fue su abuelo quien le avisó de la oferta de trabajo de una empresa llamada Toei Dōga que estaba reclutando personal. Ella se presentó a la entrevista convencida de que se trataba de una oferta para dibujar libros infantiles 1, pero una vez allí le pidieron que hiciera los dibujos intermedios para completar la animación de un niño golpeando un poste con un mazo. Aunque no sabía exactamente lo que estaba haciendo, lo hizo. Y, a pesar de todo, fue seleccionada2

Una vez en Toei, se encontró en una situación no muy propicia para las mujeres donde, entre otras cosas, tenían que posponer su deseo de ser madres para mantener su puesto de trabajo. Sin embargo, ella consiguió formar una familia (se casó con Yoichi Kōtabe en 1963) y mantener su puesto de trabajo.

Debutó como intercaladora en Hakujaden3 (1958) y a partir de ahí se labró una carrera en la que, a pesar de su calidad, tenía que lidiar con el hecho de ser mujer en un mundo de hombres y tener un fuerte carácter. 

Durante sus años como animadora trabajó en varios proyectos con Isao Takahata y Hayao Miyazaki (Las aventuras de Hols: príncipe del sol, El gato con botas, Marco, de los Apeninos a los Andes, Jarinko Chie y La tumba de las luciérnagas). A finales de la década de los 70, Okuyama abandonó progresivamente el mundo de la animación comercial (por el que nunca había sentido predilección) y empezó a ilustrar libros infantiles. A partir de 1985 fue profesora de animación en la Tokyo Designer Academy y se empezó a interesar por el grabado en cobre, lo que le sirvió para ayudar a Tadanari Okamoto en el proyecto Chuumon no Ooi Ryouriten (The Restaurant of Many Orders, 1991), un cortometraje de animación inspirado en el cuento de Kenji Miyazawa. Tan solo volvió a la mesa de luz en 2003 para trabajar junto a su marido en Bashō, uno de los cortometrajes que formaron Winter Days4, demostrando su preferencia por la animación menos más experimental y artística. Reiko Okuyama falleció en 2007 debido a una neumonía. 

El dorama

Natsuzora va a ser una serie matinal que se va a emitir de 8.00 a 8.15 de lunes a sábado en el canal de televisión NHK y constará de 156 episodios, que se podrán ver del 1 abril al 28 de septiembre de 2019)5. La serie está siendo dirigida por Takafumi Kimura y Masahiko Tanaka, producida por Toshitake Fukuoko, guionizada por Sumio Ōmori, la banda sonora compuesta por Yukari Hashimoto y la protagonista principal es Suzu Hirose. 

Póster promocional del dorama.

Natsuzora cuenta la historia de Natsu Okuhara (1937) que en 1945 se quedó huérfana y separada de su hermano por culpa de la guerra. Una amiga de su padre la acogió y Natsu se trasladó con su nueva familia a una granja de Tokaichi (Hokkaido). Cuando entró en la escuela primaria conoció a Tenyo Yamada y desde el primer momento quedó prendada de sus dibujos. Tenyo le habló del mundo de la animación y Natsu se contagió de la pasión de su amigo hasta el punto de querer ir a Tokio para poder trabajar en el mundo del arte; pero su padre adoptivo tenía pensado que ella se casara con su hijo y heredara el negocio familiar. Natsu decidió marcharse a Tokio y con más razón cuando se enteró de que su hermano vivía en Tokio. Al terminar el bachillerato, se fugó a la capital para reencontrarse con él y empezar a trabajar en el mundo de la animación. 

Ilustración promocional dibujada por Hitomi Kariya.

Aunque son evidentes las diferencias entre el argumento de la serie y la biografía de Reiko Okuyama, ambas se centran en contar los orígenes de la animación japonesa moderna a través de la vida de una de las pioneras. No estoy muy metido en el mundo de los doramas, pero me consta que existen webs para poder ver este tipo de series. Resulta innecesario decir que es prácticamente imposible que Natsuzora se edite legalmente en Occidente, por lo que si alguien tiene interés en ella tendrá que recurrir al lado oscuro.

Relación con Ghibli

Como la protagonista acabará trabajando en Toei Dōga, en algún momento u otro de la serie aparecerán personajes de sobra conocido por los aficionados a Studio Ghibli: Yasuo Otsuka, Isao Takahata, Hayao Miyazaki, Michiyo Mamiya o Yōichi Kotabe. Excepto Kotabe, que acabará casándose con la protagonista, se desconoce el rol de estos personajes en la serie. 

Aquí tenéis la selección de actores de personajes relacionados con Studio Ghibli:

Desde el punto de vista técnico, Yōichi Kotabe6 será el consultor histórico y Hitomi Tateno, que ha trabajado en numerosas películas de Studio Ghibli, será los supervisora de las escenas de animación que aparecen en la serie. 

Hitomi Kariya, reciente ganadora del Tokyo Anime Awards de este año, es la directora, diseñadora del logo y de los personajes y animadora clave de los créditos de la serie7

Tanto en la página web oficial, como en sus cuentas de Instagram y Twitter tenéis información (en japonés), imágenes y vídeos de este dorama. Un homenaje a los inicios de la animación japonesa y a los animadores que formaron parte ella.


  1. Dōga en japonés hace referencia a dibujos para niños. ↩︎
  2. Según leo, no fue un caso aislado↩︎
  3. Hakujaden fue la primera película de animación japonesa realizada a color. ↩︎
  4. Donde también participó Isao Takahata. ↩︎
  5. Me sorprende mucho este dato; al parecer en Japón los índices de audiencia no son determinantes. Esto sugiere que el argumento principal de la serie está planteado. ↩︎
  6. Trabajó como Animador clave en Nausicaä del Valle del Viento y estuvo vinculado al estudio durante sus primeros años. ↩︎
  7. Fuente: ANN↩︎

Mis momentos especiales

Sea cual sea nuestra afición, seguramente habrá algunos momentos que recordemos de forma especial por las sensaciones que nos transmiten o porque nos evocan una situación o a una persona querida. Ya sea una canción, una poesía o que nuestro equipo haya ganado un torneo, esas experiencias pueden ser mágicas, momentos especiales. A continuación tenéis algunos de mis momentos especiales en la filmografía de Studio Ghibli1.

El final de Recuerdos del Ayer

Una demostración de la genialidad de Isao Takahata, que dirigió esta película estrenada en cines en 1991 y que adaptaba libremente un manga para chicas2 obra de Yuko Tone y Hotaru Okamoto. Esta escena que da colofón a la película fue ideada por Isao Takahata, así como toda la trama de la Taeko adulta.

Aparte del final feliz, una de las cosas que más me gusta de esta escena es la ausencia de diálogos. Así, si quiere, el espectador puede meterse en la piel de la protagonista e imaginar en qué estará pensando. Cuando hay diálogos, Takahata los silencia. No son necesarios, ya nos podemos imaginar qué estarán diciendo y, además, no son importantes. Ese silencio le da todo el protagonismo a la canción, titulada Ai wa Hana, Kimi wa Sono Tane, que fue interpretada por Miyako Harumi, con música de Amanda McBroom y letra escrita por Isao Takahata.

Sheeta cayendo del cielo

Una maravillosa forma de empezar una película, en la que se mezcla acción, aventura y magia. Tras huir del cautiverio de Mushka, Sheeta inconsciente cae al pueblo donde vive Pazu. En cuanto la ve, el muchacho corre a por ella, dando inicio a una gran amistad. Esta escena está acompañada del primer tema de la banda sonora, titulado Sora kara Futtekita Shoujo, compuesto por Joe Hisaishi.

La sexta estación

Una de las mejores escenas de la filmografía de Hayao Miyazaki. Uno de esos momentos de pausa en los que se le da tiempo a la protagonista y a los espectadores para asimilar todo lo que ha ocurrido. De fondo se puede oír el tema 16 de la banda sonora, 6 Banme no Eki, otra vez compuesto por Joe Hisaishi. De nuevo, una escena sin diálogos.

Ponyo corriendo por el mar

Esta es la escena en la que la caprichosa Ponyo regresa a tierra firme para estar con Sasuke, desoyendo las órdenes de su padre. Y lo hace a lo grande, en una escena tan espectacular como técnicamente exigente. De fondo se oye el tema Nami no Sakana no Ponyo, compuesto por Joe Hisaishi e inspirado en La cabalgata de las Valkirias de Richard Wagner, un tema que escuchaba Hayao Miyazaki durante la creación de la película.

Kaguya y el árbol floreciente

La última película de Isao Takahata tiene algunas escenas dignas de mención. La que más me gusta es esta, en la que la protagonista vuelve al campo y disfruta al ver un árbol en flor. Una muchacha que podría tener todo lo que quisiera, disfruta de algo tan simple y al alcance de todo el mundo. Técnicamente un reto (como toda la película) y también con música de Joe Hisaishi.

La locura de Porco Rosso

Seguramente sea el tema que más me gusta de la discografía de Studio Ghibli y, en mi opinión, acompaña a una de las mejores escenas de la película, dirigida por Hayao Miyazaki y estrenada en 1992. En ella, Porco recupera sus alas y huye de los Talleres Piccolo acosado por la policía fascista. Una gran escena en la que suena el tema Madness de la OST de la película, compuesto por (¡sorpresa!) Joe Hisaishi.

Haciendo esta recopilación me he dado cuenta de que la mayoría de escenas que me gustan se caracterizan por la ausencia de diálogos. Y para vosotros ¿qué momentos consideráis los más especiales de la filmografía de Studio Ghibli?


  1. Sin ningún orden concreto. ↩︎
  2. Disponible en España de gracias a Dolmen Editorial. ↩︎