Ghibli Museum Library, parte 2 (de 5)

En el segundo artículo dedicado a la Ghibli Museum Library voy a escribir sobre los proyectos estrenados de 1960 a 1979. Una aclaración antes de empezar. En un primer momento iba a dividir este texto en cuatro partes, pero como la última parte tiene mucho contenido he pensado en dividirla en dos. Por esa razón finalmente los artículos de la Ghibli Museum Library serán cinco en lugar de cuatro.

Cheburashka

Ficha
Título original: Чебура́шка‌
Producción: Soyuzmultfilm Studio
Dirección: Roman Kachanov
Guion: Roman Kachanov (basado en la obra de Eduard Uspensky)
Música: Mikhail Ziv
País: URSS
Estreno: 1969 – 19831.
Estreno en Japón: 19/7/2008
Publicación DVD: 21/11/2008

Fuente: Vimeo (Erin Lemkey)

Cheburashka es un proyecto realizado por Soyuzmultfilm Studio con la técnica de stop motion y está basado en la obra escrita en 1965 por Eduard Uspensky. A pesar de lo antiguo que es y del éxito que tuvo tanto en Rusia como en Japón, no hay tanto material relacionado con este personaje. Eso fue debido a los problemas judiciales que hubo entre el creador de la novela y el de la serie, que no se solucionaron hasta marzo de 20072.

Los proyectos relacionados con Cheburashka son:

  • El cocodrilo Guena, estrenado en 1969. Primer episodio de 20 minutos de duración.
  • Cheburashka, estrenado en 1971.​ Segundo episodio de la parte clásica, también de 20 minutos de duración.
  • La vieja Shapokliak, de 1974. De 19 minutos de duración. ​
  • Cheburashka va a la escuela, estrenado en 1983.​ Tiene 10 minutos de duración. Es el cuarto episodio y último incluido en el DVD de la Ghibli Library Museum.
  • Cheburashka Arere?, de 2009. Producción de origen japonés creada por el estudio GoHands, que fue fundado en 2008. No es una serie en stop motion, sino de animación.
  • Cheburashka, de 2009. Película de animación de 80 minutos producida por Frontierworks Inc y Gébéka Films y dirigida por Makoto Nakamura.
  • Cheburashka, de 2014. Una nueva película, coproducción ruso-japonesa, dirigida por Makoto Nakamura y escrita por Ryunosuke Kingetsu, Makoto Nakamura y Michiru Shimada.

Sinopsis

Cheburashka, o Topple como se conoce en la traducción inglesa, es el nombre de un curioso y peludo animal desconocido para la ciencia, con un cuerpo pequeño, unos ojos enormes y unas orejas grandes de mono que vivía en la selva tropical. Por accidente acaba dentro de una caja de naranjas y, tras comerse unas cuantas, acaba dormido. Esa caja llega a una tienda de comestibles rusa. Cuando el dueño de la tienda descubre al animal, medio dormido y con las piernas entumecidas, le sienta en un par de ocasiones pero él se cae en ambas. Y fruto de ello, decide llamarle Cheburashka3. Como el dueño no sabe qué hacer con el animal, decide llevarlo al zoo. Y en el zoo tampoco saben muy bien qué hacer con él, por lo que le dan trabajo colocándolo dentro de una vitrina para llamar la atención a la gente.

En ese zoo trabaja Guena, un cocodrilo que fuma en pipa y, cuando acaba su jornada, se va a casa (como el resto de animales, por supuesto). Pero Guena está triste porque lleva una vida solitaria. Por esa razón escribe un anuncio con el que encontrar un compañero de piso. Cheburashka lo lee, decide visitar a Guena y será a partir de ese momento que empezará a hacer amigos y vivir aventuras.

Opinión

No he tenido la ocasión de ver todas los episodios de Cheburashka ni las películas, pero la esencia es clara. Estamos ante una serie destinada al público infantil en la que lo cotidiano se combina con lo absurdo. La serie clásica, la que se editó en la Ghibli Museum Library, tiene un buen trabajo de stop motion y una historia que entretiene, sin más.

En algunos aspectos puede recordar a proyectos como Las aventuras de Panda y sus amigos4 o la más reciente Ponyo en el acantilado, donde lo real y lo fantástico se combinan con total naturalidad.

Es fácil encontrar por internet los cuatro capítulos de la serie clásica, incluso subtitulados al castellano, por lo que si queréis y tenéis un rato, podéis comprobar cómo se entretenían algunos niños hace 50 años.

Lupin Sansei 1st. TV series

Ficha
Título original: ‌Lupin the Third Part I
Producción: Tokyo Movie
Dirección: Hayao Miyazaki, Isao Takahata
Guion: Atsushi Yamatoya, Kiyoshi Miyata, Tōru Sawaki, Seiji Matsuoka, Kazuichi Tsurumi, Mon Shichijō, Shunichirō Koyama, Tatsuo Tamura
Música: Charlie Kosei, Takeo Yamashita
Duración: 25 minutos por episodio
País: Japón
Estreno: 1971 – 1972
Estreno en Japón: 14/3/2009
No se editó en DVD en la Ghibli Museum Library5.

Sinopsis

Tal vez sea una de las sinopsis más innecesarias de esta serie de artículos, ya que Lupin III se ha convertido en uno de los iconos de la industria del anime. Cuenta las aventuras de Arsène Lupin III, nieto y heredero del célebre ladrón de guante blanco Arsène Lupin. Junto a él está Daisuke Jigen (Óscar en la versión española), su mejor amigo, fiel escudero y muy hábil con las armas; y Goemon Ishikawa XIII (Francis en la versión española), que se les une más adelante (de hecho se presenta en el episodio 7 de la primera temporada, el primero en el que trabajan Takahata y Miyazaki), un hábil y callado samurái. La guapa Fujiko Mine (Patricia) es una ladrona que va por libre y que, en ocasiones, se aliará con Lupin para conseguir sus objetivos. Lupin está enamorado de ella, pero a Fujiko le interesan más el dinero y las joyas. A lo largo de los episodios de la serie se encargan de los robos más inverosímiles y espectaculares. Para desbaratar sus planes está el Inspector Zenigata (Inspector Basilio), que siempre se quedará con la miel en los labios.

La serie está basada en el manga (1967–1972) creado por Monkey Punch y recopilado en primera instancia en 14 volúmenes; y esta, a su vez, está inspirada en la saga de novelas Arsène Lupin de Maurice Leblanc.

Opinión

Lupin III fue uno de los trabajos de renombre que afrontaron Hayao Miyazaki e Isao Takahata después su marcha de Toei Dōga. Tras un inicio de la primera serie de televisión un poco desalentador, les contrataron para cambiar la tendencia6. Y lo hicieron. Fueron los principales responsables, de los episodios 7, 8 y del 10 al 23.

Gracias a ellos y con la ayuda de su sensei Yasuo Ōtsuka7, Lupin III se convirtió en una serie exitosa. Tras esta primera serie, emitida entre 1971 y 1972, le siguieron varias series más y películas, convirtiéndose en todo un filón comercial. Hayao Miyazaki fue el responsable de algunos de ellos como los episodios 145 y 155 de la segunda serie de televisión y su debut como director de una película de animación con El castillo de Cagliostro.

Aunque no sea una serie que a priori encaje con los gustos de Miyazaki y Takahata8, de algo había que comer. Consiguieron cambiar la inercia negativa que tenía la serie y convencer a los espectadores, llegando a mantener una franquicia de la que actualmente se siguen produciendo proyectos. Si tenéis curiosidad, aquí podéis ver el episodio 7 de la primera temporada (y todos los de la primera temporada si navegáis por la web). Aunque se nota el paso del tiempo, no dejar de ser un proyecto curioso.

Panda Kopanda9

Ficha
Títulos originales: Panda Kopanda y ‌Panda Kopanda: Amefuri Circus no Maki
Producción: Shunzo Kato
Dirección: Isao Takahata
Guion: Hayao Miyazaki
Música: Masahiko Satō
Duración: 33 y 38 minutos
País: Japón
Estreno: 17/12/1972 y 17/03/1973
Estreno en Japón: 15/3/2008
Publicación DVD: 2/7/2008

Fuente: YouTube (TMS)

Sinopsis

Las sinopsis y la opinión de las dos películas están sacadas del artículo que escribí en 2016 sobre la edición española de Las aventuras de Panda y sus amigos.

La primera película cuenta la historia de Mimiko, una niña huérfana que se queda sola en casa durante unos días (?) porque su abuela se marcha de viaje para celebrar el cumpleaños del abuelo de Mimiko (?). La protagonista está muy ilusionada con la idea y no se asusta ante la posibilidad de que algún ladrón quiera entrar a robar en su casa. Al regresar a su hogar, que está al lado de un bosque de bambú, se encuentra con un pequeño panda (Niñopanda), con el que pronto hace amistad. Al poco tiempo se presenta el padre del panda (Papapanda), que estaba preocupado buscando a su hijo. Mimiko descubre que Niñopanda no tiene madre y, como ella es huérfana, deciden hacer un arreglo: ella será la madre de Niñopanda y Papapanda será el padre de Mimiko.

La situación se complica cuando se desvela que los pandas han decidido huir del zoo y no quieren regresar. Pero el dueño del zoológico está muy preocupado buscando a los pandas y no tardará en descubrir dónde están. ¿Conseguirán Papapanda y Niñopanda quedarse con Mimiko?

La primera película funcionó lo suficientemente bien como para producir una segunda y, menos de cuatro meses después del estreno de la primera película, se estrenó Las Aventuras de Panda y sus Amigos: Día lluvioso en el circo (Panda Kopanda: Amefuri Circus no Maki, 1973).

En ella descubren que hay un intruso en su casa que ha comido del plato de Niñopanda, que se ha limpiado con su toalla, que ha tocado su tuba… y ¡está durmiendo en su cama! El culpable es un pequeño tigre (Tigrehijo), que se convertirá temporalmente en el nuevo miembro de esta peculiar familia.

Al día siguiente, Mimiko sale con Niñopanda y Tigrehijo a hacer unos recados. En un despiste, Mimiko pierde de vista a sus hijos, que se van corriendo siguiendo a un tren —que se dirige al zoo— siguiendo la pista de la madre del Tigrehijo. Mimiko, gracias a sus amigas, se entera de que ha llegado el circo a la ciudad y, muy lista ella, decide acercarse para investigar si allí puede estar el hogar de Tigrehijo. En el circo se encuentra ante una situación muy peligrosa, pues Niñopanda ha acabado en la jaula de una furiosa tigresa que está muy enfadada tras la desaparición de su cachorro. Al final, Mimiko le propone un intercambio de hijos y todo se soluciona felizmente. Como recompensa, el dueño del circo le regala unas entradas para que asistan al próximo estreno de su espectáculo. Pero, al llegar la noche, empieza a diluviar con fuerza durante días y días. Cuando el tiempo mejora, Mimiko, Niñopanda y Papapanda descubren que todo el pueblo está inundado. Mientras están desayunando, reciben un mensaje de auxilio de Tigrehijo: ¡los animales del circo se han quedado aislados y corren grave peligro! Sin pensarlo mucho, deciden ir en su ayuda. ¿Conseguirán Mimiko y los pandas salvar a sus amigos?

Opinión

Hay que destacar que este es un producto infantil que da por normales situaciones que no lo son: que una niña se quede sola en casa, que los pandas hablen, trabajen y tengan un sueldo, que animales de un circo viajen en un tren por unas vías inundadas. En ese aspecto, me recuerda a películas como Ponyo, que tienes que ver con la mentalidad de un niño pequeño y sin querer buscarle sentido a todo.

Es un producto curioso, en el que vemos a Hayao Miyazaki e Isao Takahata en una tesitura muy distinta de la que nos tienen acostumbrados. Técnicamente es una película justita y sin muchas florituras. Argumentalmente, se lanzan algunos mensajes, pero en ningún momento con la profundidad y matices que demostrarían posteriormente en su propio estudio. Por un lado, el mensaje principal que se repite en las dos películas sobre lo difícil que es ser padre/madre. Por otro, el respeto por los animales, tanto en la primera película, en el zoo, como en la segunda, en el circo. Todo ello en una historia con muy poco dramatismo, con mucha alegría, energía positiva y sentido del humor.

L’Homme qui plantait des arbres10

Tout-rien (1978)

Ficha
Título original: ‌Tout-rien
Producción: Société Radio-Canada
Dirección: Frédéric Back
Guion: Frédéric Back
Música: Normand Roger
Duración: 11 minutos
País: Canadá
Estreno: 1980
Estreno en Japón: 2/7/2011
Publicación DVD: 20/7/2011
Nominado a los Oscars en 1980 a Mejor corto de animación.

Crac! (1981)

Ficha
Título original: ‌Crac!
Producción: Société Radio-Canada
Dirección: Frédéric Back
Guion: Frédéric Back
Música: Normand Roger
Duración: 15 minutos
País: Canadá
Estreno: 1981
Estreno en Japón: 2/7/2011
Publicación DVD: 20/7/2011
Ganadora en los Oscars en 1981 a Mejor corto de animación.

L’homme qui plantait des arbres (1987)

Ficha
Título original: L’homme qui plantait des arbres
Producción: Société Radio-Canada, CBC, NFB
Dirección: Frédéric Back
Guion: Jean Roberts (basado en la novela homónima de Jean Giono)
Música: Normand Roger
Duración: 30 minutos
País: Canadá
Estreno: 1987
Estreno en Japón: 2/7/2011
Publicación DVD: 20/7/2011
Ganadora en los Oscars en 1988 a Mejor corto de animación.

El río de las grandes aguas (1993)

Ficha
Título original: Le fleuve aux grandes eaux
Producción: Frédéric Back, Pierre Caron, Hubert Tison
Dirección: Frédéric Back
Guion: Frédéric Back, Hubert Fielden, Patricia Lavoie, Jean Salvy, Hubert Tison, Pierre Turgeon
Música: Denis L. Chartrand, Normand Roger
Duración: 24 minutos
País: Canadá
Estreno: 1993
Estreno en Japón: 2/7/2011
Publicación DVD: 20/7/2011
Nominada en los Oscars en 1988 a Mejor corto de animación.

Sinopsis

Tout-rien (o All Nothing como se tituló en inglés) se trata de un cortometraje que critica la adaptación hedónica de los seres humanos, de cómo históricamente no hemos tenido suficiente con lo que hemos conseguido y de cómo eso ha repercutido negativamente en el mundo animal. A pesar del tono crítico, Back finaliza el corto con un mensaje de esperanza.

En Crac!, Frederick Back muestra la evolución de Quebec, sus habitantes y sus costumbres a través de una mecedora. Como sucedió en Tout-rien, se muestra crítico con la actitud del ser humano y lo poco que tiene en cuenta el medio ambiente.

En El hombre que plantaba árboles, Back cumple su sueño de adaptar la obra homónima de Jean Giono. Un relato ecológico sobre el valor de lo que puede hacer una única persona. De hecho, el propio Back emuló lo que se narra en la novela, tal y como se puede ver en el reportaje Sekai Waga Kokoro no Tabi: Isao Takahata donde Isao Takahata visita la casa de Frédérick Back.

Fuente: YouTube (Koganei)

Por último, El río de las grandes aguas cuenta la historia del río San Lorenzo desde sus orígenes hasta nuestros días, continuando el mensaje ecológico y crítico con los seres humanos. Un relato que habla sobre este río, pero podría hacerlo sobre casi cualquier otro río.

Opinión

Estos cuatro cortometrajes incluidos en el DVD tienen un marcado mensaje ecologista, con los que quiere mostrar la belleza de la Tierra y su rechazo por la actitud de (algunos) seres humanos. Me imagino a Miyazaki y Takahata viendo estos cortos y pensando «¡Esto es lo que quiero hacer!» (sobre todo a Takahata). Proyectos con mensaje, con alma y con detalles técnicos. Muy alejados de la animación convencional (comercial) habitual.

Artículos relacionados


  1. En la Ghibli Museum Library se incluyeron los cuatro primeros episodios, los clásicos. ↩︎
  2. Por esa razón, a partir de entonces, se han producido más proyectos de este personaje. ↩︎
  3. Cheburashka es una palabra coloquial rusa que significa “venirse abajo”, “caerse”. La palabra estaba en desuso y esta obra (la novela) la popularizó. ↩︎
  4. Un animal que trabaja en el zoo y que, tras fichar, vuelve a casa… ↩︎
  5. No tendría mucho sentido editar una serie de televisión incompleta. Además las series y películas de Lupin III actualmente se pueden encontrar a la venta. ↩︎
  6. Acababan de recibir la negativa de hacer la serie de animación de Pippi Calzaslargas. ↩︎
  7. Que trabajó en la serie desde el principio. ↩︎
  8. De hecho, Hayao Miyazaki hizo algunos cambios en El castillo de Cagliostro que no gustaron mucho a los fans de la serie. ↩︎
  9. En origen se trata de dos películas independientes de algo más de media hora que se estrenaron en cines. ↩︎
  10. Se trata de una recopilación de cortos que se incluye aquí porque el primero de ellos es de la década de los setenta. ↩︎

Ghibli Museum Library, parte 1 (de 4)

Hoy voy a publicar el primero de una serie de cuatro artículos relacionados con la Ghibli Museum Library, una colección iniciada en 2006 en la que Studio Ghibli (Miyazaki y Takahata) divulgaba (tanto en cine como en formato doméstico) algunos proyectos1 de animación por los que sentía admiración o afinidad. 

Como hay bastantes títulos he decidido dividirlos por décadas. En esta primera parte escribiré sobre los proyectos que van de 1940 a 1959, en la segunda parte los que se estrenaron entre 1960 y 1979; en la tercera parte, de 1980 a 1999 y dejaré para el final los estrenados durante este este siglo. 

Esta primera parte contiene algunos de los títulos que sirvieron de inspiración a unos jóvenes Hayao Miyazaki e Isao Takahata y que, de alguna manera, les empujaron a dedicarse al mundo de la animación. 

Saltarín va a la ciudad

Carátula del DVD japonés.

Ficha película
Título original: Mr. Bug Goes to Town
Producción: Max Fleischer
Dirección: Dave Fleischer
Guion: Dave Fleischer, Dan Gordon, Tedd Pierce, Isadore Sparber
Música: Hoagy Carmichael, Frank Loesser, Leigh Harline
Duración: 78 minutos
País: Estados Unidos
Estreno: 5/12/1941
Estreno en Japón: 19/12/2009
Publicación DVD: 29/4/2010 

Sinopsis

En un jardín de Manhattan existe una disputa por el amor de la abeja Honey entre el poderoso escarabajo Bagley Beetle y Hoppity, un saltamontes que acaba de regresar a la ciudad. La situación en la que viven es peligrosa debido a las acciones de los seres humanos. La situación se complica cuando empiezan a construir un rascacielos en la zona en la que viven. ¿Conseguirán los insectos un lugar donde vivir tranquilos? ¿Quién acabará casándose con Honey?

Opinión

Hayao Miyazaki ha declarado su admiración por el trabajo de los hermanos Fleischer (el ejemplo más claro se puede ver en la escena del cine de Porco Rosso), no sin alguna crítica que se puede leer en el libro Hayao Miyazaki Starting Point 1979–1996. Técnicamente me parece una notable película con una buena animación, buen diseño de escenarios y algunas escenas resueltas de forma muy innovadora para la época. Argumentalmente no deja de ser un título lleno de estereotipos entre buenos y malos que, supongo, no llamó mucho la atención ni a Miyazaki ni a Takahata. Años después, ya en Studio Ghibli, produjeron proyectos en los que los personajes eran de pequeñas dimensiones, como Arrietty y el mundo de los diminutosMizugumo MonmonChūzumō y Kemushi no Boro (estos tres últimos para Museo Ghibli). 

Iván y su poni magica

Carátula del DVD japonés.

Ficha película
Título original: Konyok-Gorbunok
Producción: Soyuzmultfilm
Dirección: Ivan Ivanov-Vano
Guion: Georgiy Beryozko, Dmitriy Mamin-Sibiryak
Música: V. Oranskiy
Duración: 57 minutos
País: URSS
Estreno: 10/01/1947
Publicación DVD en Japón: 14/07/2010
© 2004 Films By Jove Inc. in association with Soyuzmultfilms studio 

Sinopsis

La versión de 1947 fue el primer largometraje de animación realizado en la URSS. En 1975 se estrenó una nueva versión, también dirigida por Ivanov-Vano. Se trata de un musical en verso, inspirado en el poema de Pyotr Pavlovich Yershov, en el que un joven de buen corazón llamado Iván captura un caballo volador. Para recuperar su libertad, el caballo le regala dos preciosos caballos negros y un poni mágico para que le haga compañía. Tan bonitos son los caballos, que el Zar se encapricha de ellos. Como solo hacen caso a Iván, el Zar le nombra nuevo encargado de las caballerizas en detrimento del antiguo encargado. Iván, con la ayuda de su poni, tendrá que superar todos los intentos del antiguo encargado para deshacerse de él y recuperar su puesto. 

Opinión

No soy muy fan de los musicales, pero dejando a un lado este detalle, técnicamente la película no está nada mal. Tal vez su argumento y su ritmo pueda echar para atrás a los más jóvenes, pero eran las películas infantiles que se hacían en esa época. He tenido la ocasión de ver la versión de 1975 y la mejoría con respecto al original es evidente. Aquí tenéis una comparativa de ambas versiones con la adaptación de una de sus escenas. 

Pequeño Cuello Gris2

Ficha película
Título original: Seraya sheyka
Producción: Soyuzmultfilm
Dirección: Leonid Amalrik, Vladimir Polkovnikov
Guion: Pyotr Pavlovich Yershov, A. Surkov
Música: Yuriy Nikolskiy
Duración: 20 minutos
País: URSS
Estreno: 1948
Publicación DVD en Japón: 14/07/2010 

Sinopsis

Un joven pato con el cuello gris acaba de aprender a volar junto a sus dos hermanos. Durante su primer vuelo en solitario, recibe el ataque de un zorro del que consigue escapar aunque acaba herido en una ala. Su madre, viendo que es el único que no regresa, sale en su busca y encuentra algunas de sus plumas, por lo que deduce que ha muerto y migra con sus dos hijos restantes a zonas más cálidas. Llega el invierno y el zorro sigue queriendo cazar al pato de cuello gris, pero gracias a algunos animales del bosque consigue sobrevivir; durante el invierno aprenderá a valerse por sí mismo y recuperarse de sus heridas. Con la llegada de la primavera, el zorro vuelve a intentar cazarle, pero el pato conseguirá salvarse. Con la llegada del buen tiempo su familia regresa y el protagonista podrá reencontrarse con ella. 

Opinión

Es un corto claramente dedicado al público infantil, inspirado en una historia de D. N. Mamin-Sibiryak, con un argumento muy de la época y una animación bastante buena. Pero lo más destacable es que se estrenó hace 71 años y eso es algo a tener en cuenta para lo bueno y para lo no tan bueno. 

Rebelión en la granja

Carátula del DVD japonés.

Ficha película
Título original: Animal Farm
Producción: Halas and Batchelor
Dirección: John Halas, Joy Batchelor
Guion: Joy Batchelor, John Halas, Borden Mace, Philip Stapp, Lothar Wolff
Música: Mátyás Seiber
Duración: 72 minutos
País: Reino Unido y Estados Unidos
Estreno: 29/12/1954
Estreno en Japón: 20/12/2008
Publicación DVD en Japón: 2009/06/10
© RD DR 1954 

Sinopsis

Adaptación animada de la novela de George Orwell, Rebelión en la granja (1945), una sátira sobre la Revolución Rusa y cómo el régimen estalinista corrompió las ideas del comunismo. La película cuenta como los animales de una granja se rebelan contra su propietario humano y toman el poder. Aunque al principio la situación mejora, poco a poco los cerdos consiguen imponer sus ideas, acabando con la idílica situación y corrompiendo los ideales iniciales.

Opinión

Animal Farm se aleja del resto de títulos comentados en esta entrada. Se trata de una película dirigida a un público adulto y un mensaje con una clara carga política y social. Con películas así se demuestra que la animación es válida para contar cualquier tipo de historias a todo tipo de público (como hizo Isao Takahata con La tumba de las luciérnagas). 

Aunque me estoy centrando en el argumento por encima de otros aspectos, Animal Farm tiene una animación correcta, de la que destaco el diseño de fondos y escenarios. 

Podría sorprender a más de uno que Miyazaki y Takahata hayan querido dar visibilidad y difusión a un título que crítica abiertamente el comunismo cuando ellos durante su juventud siguieron una ideología similar. Pero también es cierto que hubo un momento en el que acabaron desencantados con esa forma de pensar y optaron por otras ideologías. 

La reina de las nieves

Carátula del DVD japonés.

Ficha película
Título original: Snezhnaya koroleva
Producción: Lev Atamanov
Dirección: Lev Atamanov y Nikolay Petrovich Fyodorov
Guion: Nikolai Erdman, Lev Atamanov, Georgiy Grebner, Nikolay Zabolotsky y Mikhail Arkadyevich Svetlov
Música: Artemi Ayvazyan
Duración: 64 minutos
País: URSS
Estreno: 20/11/1957
Estreno en Japón: 15/12/2007
Publicación DVD en Japón: 2/7/2008
© 2004 Films By Jove Inc. in association with Soyuzmultfilms studio 

Sinopsis3

La reina de las nieves cuenta la historia de dos niños, Kay y Gerda, que viven en casas contiguas de una ciudad. No son hermanos, pero como si lo fueran. Tanto es así, que cuando el tiempo acompaña, colocan unos tablones gracias a los que conectan las ventanas de sus habitaciones y donde cuidan un pequeño jardín con rosas.

Un día frío y nevoso, la abuela de Gerda les cuenta la historia de la Reina de las nieves; una mujer de gran belleza, hecha de hielo y sin ningún tipo de sentimiento que vive en un castillo de hielo. La abuela asegura que, en ocasiones, se dirige a las ciudades con malas intenciones. Al acabar de contar la historia, la Reina de las nieves aparece tras la ventana de la casa de Gerda. Kay recibe el impacto de una astilla de hielo y a partir de entonces su comportamiento cambia por completo, comportándose con frialdad y burlándose de sus seres queridos.

Al día siguiente, Kay sale a jugar con su trineo. Continúa comportándose mal con Gerda y el resto de niños del pueblo. De repente aparece la Reina de las nieves en un trineo arrastrado por caballos y Kay decide atar su trineo al de ella sin mediar palabra. Cuando se han alejado del pueblo, la reina le dice a Kay que le va a llevar a un lugar donde solo haya frío y calma. La reina consigue que Kay olvide de su vida en la ciudad y su amiga Gerda.

El invierno pasó pero Kay no regresó. Al llegar la primavera, Gerda se puso su mejor vestido, sus zapatos rojos nuevos y fue en su búsqueda. ¿Conseguirá la niña encontrar a su amigo? ¿Qué peligros se encontrará por el camino? Y si llega a encontrarlo ¿cómo reaccionará él? Y lo más importante, ¿cómo reaccionará la Reina de las nieves?

Opinión

A nivel argumental, La reina de las nieves no me ha parecido muy interesante. Es una historia algo infantil, con personajes buenos muy buenos y malos muy malos, aunque con alguna excepción. Pero es Gerda, la protagonista, el personaje en el que me quiero detener. El hecho de que sea una chica la que vaya a salvar a su amigo es algo que considero atrevido para la época. Es una pena que, más allá de eso, el personaje sea bastante plano y aburrido. Supongo que fue un primer paso.

Si bien su argumento tiene cosas buenas y otras no tan buenas, en el apartado técnico me parece una película muy destacable. Considero que la animación es una maravilla, fluida y realista6. El diseño de fondos es muy colorido y preciosista, aunque estático. De hecho, mientras veía esta película me vinieron a la mente escenas de Azur y Asmar, de Michel Ocelot.

En mi opinión, tiene mucho mérito que se propusieran difundir este tipo de obras en un mercado tan masificado y competitivo como el japonés. Estrenar en cines, aunque fuera un estreno limitado, y publicar en DVD películas de hace 50 o 60 años4 era, por decirlo finamente, una apuesta arriesgada. Creo que su objetivo, más allá de hacer negocio, era mostrar al público japonés algunos de los proyectos que más les llamaron la atención y que, de alguna forma, fueron la base a partir de la que se pudo crear Studio Ghibli. 

En general se trata de buenas animaciones, técnicamente notables para su época, pero que están lejos de lo que al público mayoritario le puede interesar actualmente. No dispongo cifras de taquilla ni de ventas, pero todo parece indicar que esta fue una labor de difusión más que un negocio; un homenaje de Studio Ghibli a aquellos proyectos y aquellos estudios que les sirvieron de inspiración. 


  1. Pongo proyectos y no películas, porque en en este sello también se incluyen cortometrajes y series de televisión. ↩︎
  2. En Japón este cortometraje se puso a la venta en DVD junto a Iván y su poni mágica↩︎
  3. Tanto la sinopsis como la opinión son las mismas que publiqué en el artículo antes enlazado. ↩︎
  4. En el momento de la publicación en Japón. ↩︎

Taro the Dragon-Boy

Hoy me gustaría escribir sobre un proyecto de la etapa anterior a Studio Ghibli en el que Isao Takahata estuvo ligeramente involucrado. Se trata de Tatsunoko Tarō (龍の子太郎), Taro the Dragon-Boy en inglés o Taro el niño dragon en español. En este artículo conoceremos sus orígenes, la función de Isao Takahata y qué otros animadores conocidos (del universo Ghibli) trabajaron en el proyecto.

La novela

En 1960 Kodansha publicó una novela titulada Tatsunoko Tarō, escrita por Miyoko Matsutani (1926–2015), una autora de libros para niños. La novela logró tres galardones:
– Premio Kodansha de literatura infantil para nuevos autores.
– Premio Internacional Hans Christian Andersen de literatura infantil.
– Premio Sankei a la mejor obra infantil.

La televisión

Tres años después, fruto del éxito de la obra de Matsutani, el canal TBS produjo un espectáculo de marionetas en el que se adaptó la obra para el programa de televisión Akise Suginoko Theater. Fue emitido del 7 de septiembre al 26 de octubre de 1963 en un total de 8 episodios.

La película

A finales de la década de los 1970, Toei Animation se fijó en ella para hacer una versión animada. Sorprendentemente contactó con Isao Takahata para trabajar en el proyecto1. No he podido confirmar este dato, pero parece que Takahata no se había olvidado de lo sucedido y no quiso involucrarse demasiado en el proyecto. Por esa razón solo se encargó del guion/concepto de la obra.

Aunque no me guste demasiado hacer suposiciones, me imagino que Toei quiso hacerse con uno de los responsables de algunas de las series de televisión más exitosas de la época. En lugar de involucrarse en este proyecto tomó la decisión de dirigir la serie de televisión Akage no Ann (Ana la de Tejas Verdes, 1979).

Fragmento del inicio de la película.

La película cuenta la historia de un muchacho perezoso y glotón llamado Taro que vive con su abuela, una persona pobre que se dedica a cultivar mijo. En lugar de ayudarla, se dedica a jugar y dar de comer a los animales de la zona, con los que se puede comunicar.

Un día, mientras enseña a los animales a practicar sumo (?), aparece un tengu que, tras conocerle, decide darle el poder de cien hombres. Taro podrá usar ese poder siempre y cuando sea para ayudar a los demás; en caso contrario debería usar su propia fuerza.

Poco tiempo después su abuela le explica sus orígenes a Taro. Le habla de su madre, de su misteriosa transformación en un dragón, de cómo le dejó a su cuidado y del mensaje que le dio para cuando creciera: que fuera a buscarla a un gran lago situado en el norte.

A pesar de la negativa de la abuela, que lo considera demasiado joven, Taro decide salir en busca de su madre. Durante su aventura, ayudadará a personas con problemas, derrotará a aquellos que causaban esos problemas y madurará como persona. ¿Será capaz de encontrar a su madre?

Opinión

No he tenido la ocasión de leer la novela, por lo que no sé cómo la adaptó Isao Takahata ni qué modificaciones hizo. De todas formas, me atrevo a aventurar que fue bastante fiel al original. Tatsunoko Taro es una película infantil clásica, para lo bueno y para lo malo. Es entretenida y didáctica, pero en ningún momento me ha recordado a Isao Takahata. Taro es un personaje fuerte y con unos valores positivos pero que no tiene profundidad. Hace las cosas sin pensar: tengo que salvar a la chica, pues voy y me presento ante mi enemigo, le grito y me peleo; tengo que ayudar, ayudo; tengo que hacer, hago. Desde ese punto de vista, dudo mucho que un Takahata implicado hubiera propuesto algo de este tipo.

La historia es entretenida y propone unos valores positivos para los pequeños. Es un relato de folclore japonés moderno, en el que se muestran personajes típicos de la tradición japonesa, como onis y dragones, y lo hace de una forma clara y fácil de entender. Se hace una crítica nada disimulada sobre la acumulación de poder de unos pocos en contra de una mayoría pobre y humilde, y que el reparto de ese poder es positivo para todos.2

Técnicamente la película es notable, teniendo en cuenta que tiene 40 años. Reiko Okuyama y Yōichi Kotabe se encargaron del diseño de personajes y arte; Isamu Tsuchida3 fue el Director de arte y Kirio Urayama se encargó de la dirección y el guion gráfico junto a Takashi Mitsui. Me ha gustado especialmente el trabajo de fondos, muy poco convencional para lo que era la animación de la época.

No tengo constancia de que la película se haya editado recientemente en España o Latinoamérica. En 2006 Discotek Media publicó la versión DVD de esta película, actualmente descatalogada. Es muy poco probable que una película de estas características se edite en DVD o BD en la actualidad. En mi opinión, si tenéis la ocasión de verla, os la recomiendo.

Ficha técnica
Tastunoko Taro (Taro the Dragon Boy)
Fecha de estreno: 17/3/1979
Director: Kirio Urayama
Guion: Isao Takahata
Guion gráfico: Kirio Urayama, Takashi Mitsui
Música: Riichiro Manabe
Productora: Toei Animation
Duración: 75 minutos
Basada en la novela de Miyoko Matsutani

Esto me suena…

Aunque no se trate de una película en la que ni Hayao Miyazaki ni Isao Takahata han trabajado de forma intensa, algunas de sus escenas me han recordado a películas en las que sí han trabajado. Comparto con vosotros algunas de ellas, por orden cronológico:

  • Taro en la nieve En este caso se trata de Las aventuras de Hols: príncipe del sol (1968) una película anterior dirigida por Isao Takahata.
  • Taro haciendo el pino En Las aventuras de Panda y sus amigos (1972–1973), la protagonista hacía el pino cuando estaba contenta. Ignoro si este recurso se usó más veces en esa época, pero me acordé de estas películas cuando Taro lo hizo y, curiosamente, son películas de la misma década. No he encontrado una imagen mejor que esta para ilustrarlo; en el resto de casos no se veía al personaje de cuerpo entero.
  • Taro y su madre dragón Aunque no hay ninguna similitud entre ambas historias, hay un momento en el que la escena de Taro y su madre surcando los cielos recuerda a la escena final de El viaje de Chihiro entre Chihiro y Haru.
  • Taro enseñando sumo a los animales Uno de los cortos del Museo Ghibli, titulado Chuu-zumo (2010) y dirigido por Hayao Miyazaki, cuenta la historia de un anciano que descubre a unos ratones practicando sumo. De nuevo, no se trata de un calco u homenaje sino de una reminiscencia.
  • Casa de la abuela de Taro Posiblemente sea la referencia más difícil de entender si no has visto la película, pero al ver los primeros minutos de la película, la casa de la abuela me recordó a la casa de los padres de Kaguya, de la película El cuento de la princesa Kaguya (2013), dirigida por Isao Takahata.

  1. Sorprendente porque años atrás tuvo problemas durante la producción de Taiyō no Ōji: Horusu no Daibōken (1968), conocida en España como Las aventuras de Hols: príncipe del sol. ↩︎
  2. Unos valores con claras influencias comunistas, ideología que por aquel entonces seguían Miyazaki y Takahata junto a, seguramente, muchos animadores y artistas. ↩︎
  3. Que trabajó en Las aventuras de Hols: príncipe del sol (1968) y El gato con botas (1969). ↩︎

Recomendaciones para Día internacional del libro (2019)

Mañana se celebra en todo el mundo el Día internacional del libro; en otros lugares se celebra San Jorge. En Cataluña se celebra la Diada de Sant Jordi, festividad en la que se regalan libros y los hombres acostumbran a regalar rosas a las mujeres que quieren o aprecian. Lo que interesa en nuestro caso es que es una fecha donde se compran y regalan muchos libros. Aquí tienes sugerencias de libros relacionados con Studio Ghibli que podrías comprar o regalar.

Ensayos

Novelas

Mangas

  • Only Yesterday (tomo 1 y 2)

Como el tema de este blog es Studio Ghibli, he propuesto libros relacionados directa o indirectamente con ellos. Pero si no os convence esta lista podéis optar por otros títulos, otros géneros, otros autores. Al final lo importante es leer, divertirse y aprender.

Que tengáis un feliz Día del libro.

Mis momentos especiales

Sea cual sea nuestra afición, seguramente habrá algunos momentos que recordemos de forma especial por las sensaciones que nos transmiten o porque nos evocan una situación o a una persona querida. Ya sea una canción, una poesía o que nuestro equipo haya ganado un torneo, esas experiencias pueden ser mágicas, momentos especiales. A continuación tenéis algunos de mis momentos especiales en la filmografía de Studio Ghibli1.

El final de Recuerdos del Ayer

Una demostración de la genialidad de Isao Takahata, que dirigió esta película estrenada en cines en 1991 y que adaptaba libremente un manga para chicas2 obra de Yuko Tone y Hotaru Okamoto. Esta escena que da colofón a la película fue ideada por Isao Takahata, así como toda la trama de la Taeko adulta.

Aparte del final feliz, una de las cosas que más me gusta de esta escena es la ausencia de diálogos. Así, si quiere, el espectador puede meterse en la piel de la protagonista e imaginar en qué estará pensando. Cuando hay diálogos, Takahata los silencia. No son necesarios, ya nos podemos imaginar qué estarán diciendo y, además, no son importantes. Ese silencio le da todo el protagonismo a la canción, titulada Ai wa Hana, Kimi wa Sono Tane, que fue interpretada por Miyako Harumi, con música de Amanda McBroom y letra escrita por Isao Takahata.

Sheeta cayendo del cielo

Una maravillosa forma de empezar una película, en la que se mezcla acción, aventura y magia. Tras huir del cautiverio de Mushka, Sheeta inconsciente cae al pueblo donde vive Pazu. En cuanto la ve, el muchacho corre a por ella, dando inicio a una gran amistad. Esta escena está acompañada del primer tema de la banda sonora, titulado Sora kara Futtekita Shoujo, compuesto por Joe Hisaishi.

La sexta estación

Una de las mejores escenas de la filmografía de Hayao Miyazaki. Uno de esos momentos de pausa en los que se le da tiempo a la protagonista y a los espectadores para asimilar todo lo que ha ocurrido. De fondo se puede oír el tema 16 de la banda sonora, 6 Banme no Eki, otra vez compuesto por Joe Hisaishi. De nuevo, una escena sin diálogos.

Ponyo corriendo por el mar

Esta es la escena en la que la caprichosa Ponyo regresa a tierra firme para estar con Sasuke, desoyendo las órdenes de su padre. Y lo hace a lo grande, en una escena tan espectacular como técnicamente exigente. De fondo se oye el tema Nami no Sakana no Ponyo, compuesto por Joe Hisaishi e inspirado en La cabalgata de las Valkirias de Richard Wagner, un tema que escuchaba Hayao Miyazaki durante la creación de la película.

Kaguya y el árbol floreciente

La última película de Isao Takahata tiene algunas escenas dignas de mención. La que más me gusta es esta, en la que la protagonista vuelve al campo y disfruta al ver un árbol en flor. Una muchacha que podría tener todo lo que quisiera, disfruta de algo tan simple y al alcance de todo el mundo. Técnicamente un reto (como toda la película) y también con música de Joe Hisaishi.

La locura de Porco Rosso

Seguramente sea el tema que más me gusta de la discografía de Studio Ghibli y, en mi opinión, acompaña a una de las mejores escenas de la película, dirigida por Hayao Miyazaki y estrenada en 1992. En ella, Porco recupera sus alas y huye de los Talleres Piccolo acosado por la policía fascista. Una gran escena en la que suena el tema Madness de la OST de la película, compuesto por (¡sorpresa!) Joe Hisaishi.

Haciendo esta recopilación me he dado cuenta de que la mayoría de escenas que me gustan se caracterizan por la ausencia de diálogos. Y para vosotros ¿qué momentos consideráis los más especiales de la filmografía de Studio Ghibli?


  1. Sin ningún orden concreto. ↩︎
  2. Disponible en España de gracias a Dolmen Editorial. ↩︎